Пабло Пикассо и его картины

Пабло Пикассо (1881-1973) - художник, чей творческий диапазон невозможно измерить. Он творил почти во всех модернистских движениях и ни в одном из них не задерживался — ему были тесны рамки любого из них.

Биография П. Пикассо

Пикассо родился 25 октября 1881 г. в Малаге, на юге Испании. Научился рисовать рано, художественное образование получил сначала в Школе изящных искусств в Барселоне, затем в Академии Сан Фернандо в Мадриде. Его юношеские годы прошли в Испании, где он и получил первые художественные впечатления. Однако жизнь художника была тесно связана с Францией, куда Пикассо впервые приезжает в 1900 г.

У юного художника много зарисовок уличных сцен, нищих, стариков и старух; ведущие мотивы его раннего творчества - бедность, скорбь, одиночество, гордость, отчаяние. Это была его родина, его любовь, его Испания. Вместе с тем годы длительного художественного безвременья вынуждали многих художников покидать родину - они уезжали в Париж, туда, «где делалось искусство новой эпохи». Пикассо не был исключением: в 1901-1904 гг. он неоднократно бывает в Париже, потом окончательно поселяется во Франции.

Художник знакомится с подлинниками французской живописи XIX в., изучает некоторые живописные и композиционные приемы импрессионистов, испытывает интерес к творчеству Сезанна, Ван Гога, Гогена, используя их открытия в поисках собственного художественного стиля. Уже в 1901 г. в галерее Амбруаза Воллара состоялась его первая персональная выставка.

Исследователи выделяют в творчестве раннего Пикассо несколько периодов: «голубой» (1901-1904); «розовый» (1905- 1906); «кубистический» (с 1907 г.).

В 1901 г., накануне «голубого периода», Пикассо создает несколько полотен, в которых проявляет себя как художник, обостренно чувствующий душевное состояние человека.
Картина «Любительница абсента» изображает женщину, оказавшуюся изгоем в обществе «порядочных» людей. Ей нет места среди них. Изображение замкнуто в узком пространстве, ограниченном плоскостью стола и стеной. Фигура любительницы абсента зажата, задвинута в угол. Ее лицо жестко и безразлично, жест рук, обхватывающих фигуру, еще больше подчеркивает ее одиночество. Глухой темно-синий цвет одежды перекликается с синим цветом сифона и рюмки, стоящих на столе. Ржаво-красный фон стены создает атмосферу тревоги и безнадежности.

Безрадостный жестокий мир предстает в полотнах Пикассо в мрачно-синих холодных тонах. Главные персонажи - нищие, обездоленные, бродяги. Ощущение беспокойства появляется от созерцания вытянутых пропорций фигур, изломанных силуэтов, утрированных жестов.

В 1903 г. художник создает свои самые «синие», почти монохромные и наиболее цельные в смысле единства духовного начала и пластической выразительности картины, такие, как «Старик-нищий с мальчиком» и «Старый гитарист».

Синий фон создает атмосферу безнадежности обессилевшего старика и прижавшегося к нему мальчика. В отсутствии деталей, пейзажа есть что-то ирреальное, тревожное, да и в самих героях чувствуется нечеловеческая отрешенность, будто они перешагнули грань безмерных страданий. И в глазах мальчика, который делит странствия со стариком, недетская горькая мудрость и преждевременное разочарование.

Старый слепой гитарист, погруженный в голубую мглу, совершенно отрешен от всего происходящего. Он оберегает свой мир, замкнутый и непонятный постороннему взгляду. Худые руки с непомерно длинными пальцами, чуткие «готические» руки обнимают гитару как единственную ценность, оставшуюся в этом мире.

В основе многих произведений «голубого периода» лежит идея противопоставления двух миров: жестокого мира современной художнику действительности и подлинно человеческого, создаваемого им в своих полотнах, где отношения людей строятся на любви, милосердии и сострадании. Если на полотне Пикассо двое - мужчина и женщина, старик и мальчик, мать и ребенок, человек и животное — они стремятся друг к другу, спасаясь от одиночества, защищаясь любовью, обретая силу в молчаливом общении друг с другом.

Любимые герои «розового периода» - бродячие актеры, персонажи цирка - акробаты, арлекины, шуты, паяцы. За внешней видимостью Пикассо пытается раскрыть их внутреннюю сущность. Он срывает шутовские маски с традиционных персонажей народного театра. Под пестрыми костюмами его Пьеро и Арлекинов мы видим простых людей, иногда усталых и печальных, иногда беззаботно веселых и нежно лирических, сошедших с театральных подмостков и вступающих друг с другом в повседневные отношения.

Девочка на шаре

Знаменитая «Девочка на шаре» - одна из самых поэтичных работ художника. Угловато-грациозная фигурка юной гимнастки особенно легка и невесома по сравнению с могучей фигурой атлета, сидящего на тумбе, своей формой напоминающей куб. Пикассо увлекает «пластический язык контрастов»: противопоставление устойчивости и неустойчивости, движения и покоя, силы и слабости. «Девочка на шаре» обладает в этом смысле какой-то волшебной непреложностью композиции: закройте фигуру сидящего атлета - и покажется, что девочка сейчас потеряет равновесие, соскользнет со своего шара. Закройте грациозно балансирующую девочку - будет казаться, что атлет никогда не встанет с тяжелого куба. Эти фигуры, эти люди, эти формы по-настоящему живут, когда они вместе. Несмотря на всю противоположность физического облика гимнастов, между ними не ощущается никакой разобщенности. Напротив, в духовной близости этих людей, их внутреннем единстве, подчеркнутом Пикассо, кроется чуть грустное, но просветленное настроение произведения. На заднем плане, на фоне сурового пейзажа, фигуры женщины с младенцем на руках, ребенка, собачки, лошади находятся в созвучии с природой, включены в ее мирный ритм. Это разомкнутое пространство создает впечатление, что гимнасты находятся на арене всего мира в целом, мира печального призрачно-красивого. Колорит, построенный на тончайших сочетаниях нежно-розового, голубого, жемчужного цветов, вносит лиризм и проникновенность в это полотно.

С 1907 г. с «подмостков театра Пикассо» начинают исчезать грустно-поэтические сцены, в которых странствующие комедианты, актеры, бродяги и нищие, так любовно понимавшие друг друга и находившие спасение в духовной и душевной близости, в повседневном общении.

Резко изменилась и творческая манера Пикассо. Окружающий мир не укладывался в рамки традиционно-изобразительной системы, которая не могла отразить перемен, происходивших в мире, передать кризисное ощущение надвигающихся катастроф. Чувство изменения мира, сдвинутого со своих основ, было определяющим в творчестве Пикассо этого периода.

Открытие кубизма стало для Пикассо переломным моментом в его постижении мира. Через деформацию внешнего облика изображаемого предмета он пытается выявить его структуру, суть, первичные элементы и, «разложив мир на части», пересоздать его в новых, невиданных конструкциях. «Я изображаю мир не таким, каким его вижу, а таким, каким его мыслю», - говорил Пикассо.

Авиньонские девицы

«Авиньонские девицы» - первое произведение кубизма. Пять обнаженных женских фигур, изображенных в разных ракурсах, заполняющих почти всю поверхность холста, как бы грубо вытесаны из твердого дерева или камня. Тела предельно обобщены, лица лишены выражения. Складки драпировок, составляющих фон картины, создают ощущение распада и дисгармонии. Полотно превращается в некое пространство с таинственными, почти бесполыми и пугающими существами. Застылые фигуры идолообразные. Стоит обратить внимание и на руку в верхнем левом углу композиции, отодвигающую занавес. Она не принадлежит ни одной из девиц. Это таинственная рука какого-то существа из-за кулис, распорядителя зрелища.

В пластическом плане задачей художника стало изображение объемной формы на плоскости, расчленение ее на геометрические элементы, а также поиски экспрессивной деформации и гротеска. Он абсолютно свободно комбинирует объекты изображения, насыщая их жутковатой агрессией и мощной силой.

Портрет Амбру аза Воллара

«Портрет Амбру аза Воллара» - подлинный шедевр кубизма. Борьба динамики и статики, обозначенная еще в «Девочке на шаре», в этом полотне раскрывается как единый процесс разрушения - созидания. Вот как пишет об этом портрете Н. А. Дмитриева: «Как живописная поверхность, он представляет сплошное напластование полупрозрачных дымчатых, ломаных плоскостей. Из них состоит и фон, и сам портрет - фон и портрет не различаются ни фактурно, ни пространственно: однородная кристаллическая материя. Ее «молекулы» движутся и в своем движении рождают формы...

Проследить, где кончается одна фигура и начинается другая, трудно несмотря на прямизну линий и четкость углов. Они друг друга неуловимо проницают, вплывают одна в другую, то ярко высвечиваясь, то погружаясь в тень... Картину можно воспринимать как живописный аналог мира, находящегося в постоянном становлении. Он творится у нас на глазах, и мы видим, как из скопления живописных молекул является лицо Воллара». По мере приближения к лицу геометрические формы концентрируются, выявляя конкретные черты. Особую внушительность образу придают острые грани высокого лба, создающие оптическую иллюзию его мощного объема. Излом нахмуренных бровей, прикрытые веками глаза, плотно сжатые губы передают состояние хмурой сосредоточенности, погруженности в собственные мысли. Однако это внутреннее состояние дается в самом процессе развития, словно для зрителя становятся зримыми умственные процессы, которые протекают в недрах могучего лба. И кажется, что на наших глазах из беспорядочного движения изломов и геометрических плоскостей картины рождается силой интеллекта ясная человеческая мысль.

Герника

Знаменитая «Герника» написана Пикассо после бомбардировки испанского города Герника немцами в 1937 г. Это событие так потрясло художника, что случилось невероятное: монументальное панно (3,5 м в высоту и 8 м в длину) было написано за месяц!

Страшная сцена гибели Герники и смерти людей изображает каких-то совершенно фантастических и непонятных на первый взгляд существ. Они напоминают человеческие тела и фигуры животных. Это скорее их подобие, искаженное ужасными гримасами боли и страдания. Кажется, они исторгают вопли страха и отчаяния.

Трагическое ощущение смерти и разрушения художник создает агонией самой формы, которая разрывает предметы на множество острых осколков. Зловещие символы умирающих: растерзанная лошадь (олицетворение народа), поверженный всадник, бык (символ жестокости и тьмы), мать с убитым ребенком - превращаются в зрелище Апокалипсиса. Здесь нет ни бомбежки Герники, ни самолетов, ни даже самого города. Видны лишь языки пожара да само содеянное зло. Пикассо создает символ, олицетворяющий фашизм.

Картина почти лишена цвета. Духу трагедии соответствуют черные, серые, белые тона. Художник изобразил конец света как дело рук самого человека. За свои антивоенные произведения Пабло Пикассо получил Международную премию Мира и Международную Ленинскую премию.

Пикассо оставил после себя гигантское наследие - около 20 000 работ, исполненных в самой разной стилистической манере. Хотя творчество Пикассо принято делить на отдельные периоды, его мысль и рука творили с такой быстротой, что художник в своем стремлении к новому как бы обгонял самого себя. Он говорил: «Несколько стилей, используемых мною в работе, не следует рассматривать как эволюцию или как поиски идеала. Когда я хочу что-то выразить, я делаю это, не задумываясь ни о прошлом, ни о будущем...»

Парадоксально, но Пикассо-новатор в художнической технике часто бывал довольно консервативен. Он любил писать маслом по холсту, иногда предпочитая дерево или картон. Для небольших картин использовал бумагу и акварель. Впрочем, он, не задумываясь, отвергал традиционные методы, если они становились для него веригами. Особенно это касается кубис- тических картин. Чтобы создать фактурную поверхность, Пикассо смешивал краску с песком или опилками. Свои картины художник чаще всего писал на столе, а не на мольберте, и обыкновенно работал по ночам, при электрическом освещении, находя это освещение более «восхитительным», чем солнечный свет. Большинство картин Пикассо не поражают внушительными размерами; «Гернику» можно назвать исключением.

Мнения критиков о последнем этапе творчества Пабло Пикассо неоднозначны. Некоторые склонны считать, что после окончания Второй мировой войны Пикассо не создал ничего значительного. Другие полагают, что он оставался выдающимся мастером до самой смерти. Его поздние работы отличаются богатством красок и свободой письма. Ряд специалистов называют позднего Пикассо предтечей неоэкспрессионизма - направления, ставшего доминирующим в авангардном искусстве 80-х гг. XX в.